Kubrick es conocido y celebrado hoy día como uno de los grandes nombres de la cinematografía del s.XX, sin embargo, como si de la propia humanización de la historia del cine se tratara, sus comienzos lo sitúan con una cámara Leica en la mano. Así, su afición por la fotografía le llevará a trabajar a los 17 años de edad para la revista Look, publicación para la que documentará laAmérica de la postguerra de los 50. Un archivo ingente del que ahora se rescatan 200 imágenes del Kubrick previo al cine, en las que se aprecian ya influencias posteriores, que podrán visionarse hasta julio en Milán ( Italia ) en el Palazzo della Ragione.
La exposición ha sido posible gracias al Museo de la Ciudad de Nueva York y la Biblioteca del Congreso en Washington, en colaboración con el Ayuntamiento de Milán a través de su Junta de Cultura, y muestra la faceta menos conocida del gran creador: su trabajo como fotógrafo en los años de posguerra inmediatamente posteriores a la II Guerra Mundial. La muestra presenta una serie de imágenes de esta época, por medio de las cuales Kubrick realizará una exhaustiva documentación de la vida social del momento, y en las que, además, algunas de las referencias culturales características de su cine ya se hallan presentes.
Esta propuesta ha sido posible gracias al descubrimiento y estudio del conjunto de 12.000 imágenes de la revista Look olvidadas en un fondo patrimonial público y rescatadas por Rainer Crone, gran estudioso del Arte Contemporáneo y ahora, además, comisario de la exposición. Sin embargo, y más allá de la utilidad histórico-artística del descubrimiento, el gran interés de este conjunto recae en la serie de historias en imágenes que presenta, en las que se desvelan la capacidad narrativa, el sentido del humor y la fuerza visionaria de este cineasta.
Así, las más de 200 fotografías que se muestran, muchas de ellas inéditas e impresas de los negativos originales, dan cuenta de mundos como el de las grandes estrellas del momento -Rocky Graziano o Montgomery Cliff-, la actualidad política de mitad de siglo -a través de imágenes icónicas como la fotografía de un quiosquero leyendo la muerte de Roosevelt en el 45-, la vida en la calle, los famosos y los delincuentes, la educación, la epopeya de los músicos dixieland de Nueva Orleans, o los personajes de circo, freaks de cuerpo deforme e historiado.
Más información: www.mostrakubrick.it
Via Artelista
1 comentario:
El otro día leí en El País la noticia de que Milán acoge una exposición con fotos que Stanley Kubrick hizo al principio de su carrera, cuando sólo era un joven reportero. El título del artículo no podía ser más significativo: ‘Fotogramas congelados de Kubrick’. Según explica el comisario de la exposición, Rainer Crone, la grandeza de estas viejas imágenes tiene que ver con el hecho de que cuentan historias, como películas condensadas en un único instante.
El mítico momento decisivo, vamos. A partir de aquí es lógico deducir que entre el cine y la fotografía hay un parentesco basado en la naturaleza narrativa de los dos lenguajes. Pero… ¿hasta qué punto es así? ¿Qué papel juega la anécdota en una buena fotografía?
El asunto me recuerda a la archiconocida historia de la imagen que Pedro Almodóvar usó para escribir Los abrazos rotos. Según cuenta la leyenda, el director (fotógrafo aficionado) sacó una foto a una playa de Lanzarote y, cuando la reveló, descubrió a una pareja. Un detalle insignificante, apenas perceptible. Pero suficiente para convertir una típica fotografía de paisaje en una foto “con historia”. Éste fue el arranque del guión de Los abrazos rotos, y yo no puedo dejar de pensar que se repite el mismo esquema que en la evolución de Kubrick: primero la foto y luego la película, como si el cine viniese a completar las limitaciones de la fotografía. Como si el salto de la reflex a la cámara de cine fuese absolutamente lógico, una evolución natural.
Otro ejemplo: Anton Corbijn. El fotógrafo holandés que inmortalizó a U2 delante del Joshua Tree ha construido una sólida carrera como retratista de músicos y personajes carismáticos. Nada más lejos de un fotógrafo de historias. De hecho, cuando Corbijn ha dirigido videoclips siempre ha buscado planteamientos fuertemente estáticos, alejados del modelo narrativo. Pero, sin embargo, terminó dando el salto al largometraje para filmar la historia de Ian Curtis, el cantante de los tremendos Joy Division, en Control. ¿Un motivo más para tomar a la fotografía como hermano menor del cine?
El debate se vuelve todavía más jugoso si analizamos otra posibilidad: el parentesco entre fotografía y pintura. Por ser ambas imágenes estáticas, es fácil pensar que una foto está más cerca de un cuadro que de una peli. Precisamente la semana que viene se clausura una exposición en Torrent, Valencia, que propone una reflexión en este sentido. Se titula De Pictura y pretende romper una lanza a favor de la estética pictorialista con obras de Pierre Gonnord o Erwin Olaf.
El objetivo del comisario Javier Ferrer es sustituir el énfasis narrativo por un mayor hincapié en la búsqueda de la belleza. Pero el esquema que aplica Erwin Olaf para algunos de sus pastiches pictóricos es absolutamente narrativo, como una película. He seleccionado su copia de la Cena de Emaús, un cuadro original de Caravaggio, aunque no sé si está en Torrent. La foto forma parte de un proyecto reciente desarrollado en la Laboral de Gijón. Ironías de la vida, acabo de leer que Erwin Olaf está preparando su primer largometraje.
¿Entonces es inevitable considerar a la fotografía como una versión más rudimentaria del cine? O mejor: ¿es imprescindible que una buena foto cuente una historia? Los casos que yo he seleccionado inducen a pensar que sí, pero mi opinión personal es que no. Aunque soy cinéfilo compulsivo pienso que hay que separar churras de merinas. Creo en una fotografía más consagrada al silencio y a la reflexión que al ruido y la expectación. Pero esa es sólo mi forma de pensar, y cada uno tiene la suya. A partir de aquí, los que tenéis que opinar sois vosotros.
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