viernes, 29 de febrero de 2008

Entrevista a Pedro Meyer

© foto de phitar
Tomado de BBC Estudio Abierto

“Me parece incorrecto que una escuela imparta algo que para cuando los alumnos egresen ni siquiera habrá mercado para ellos. Las escuelas de fotografía deben enseñar tecnología digital”.
Londres. Cuando Pedro Meyer predijo el fin de la fotografía análoga, hace 15 años, el mundo se le fue encima. El artista mexicano fue pionero en la producción digital de imágenes y sigue rompiendo barreras. Su proyecto, Herejías, creará un nuevo paradigma en lo que se refiere a la exhibición de fotos en museos. Se trata de una retrospectiva de su trabajo que comprende 40 años de labor y que abrirá en octubre de 2008, de manera simultánea, en 100 museos de diferentes ciudades. Meyer es considerado uno de los fotógrafos más innovadores y el primer artista multimedia del mundo.Fue en 1991 que el artista publicó Fotografío para recordar, el primer CD ROM que combinaba sonido e imagen digital. La obra es una impresionante galería de fotografías en blanco y negro sobre el ocaso de la vida de sus padres presentadas con una banda sonora en la que Pedro Meyer comparte sus reflexiones sobre el dolor, la muerte y el desafío de tomar esas imágenes.

En 1994, Meyer creó zonezero.com, un foro fotográfico en Internet que se convirtió en el albergue de más de mil artistas jóvenes de la lente y —con un promedio de 500 mil visitas al mes— en la página de fotografía digital más visitada.¿Es más fácil mentir en la era digital? ¿Cuál es el futuro de la fotografía? ¿Qué cámaras utiliza? Pedro Meyer respondió a las preguntas de los lectores en BBC Estudio Abierto.

Usted decidió en algún momento dejar la fotografía análoga para dedicarse a la producción digital, cambió los laboratorios por las computadoras, ¿cómo sucedió esto?
En esencia yo soy muy flojo y lo digital es tanto más fácil, entonces no fue muy complicado llegar a la conclusión de que con lo digital podía yo hacer todo de una manera mucho más sencilla, mis ganas de mártir de trabajar en el cuarto oscuro, nunca estuvieron ahí.

Eso provocó muchas críticas. Cuando usted empezó a dedicarse a la imagen digital le dijeron “cómo es posible que siendo un fotógrafo se dedique a esas tonterías”. ¿Cómo reaccionó a esas críticas?
Lo comprendía, en el sentido de que generalmente hay una resistencia en la gente a los cambios. Todavía hoy en día, con toda la evidencia que hay de que lo digital es la única manera sensata de hacer fotografías, hay no pocas gentes que se aferran a la idea de trabajar en cuarto oscuro.

© Pedro Meyer /"El abrazo", México, Michoacán, Lázaro Cárdenas, 1979

Sabiendo que toda su vida ha sido contra el pensamiento de los demás y sabiendo que eso podía perjudicar su carrera y su vida, ¿cómo sabía que estaba tomando la decisión correcta?
Uno nunca sabe, uno nada más sigue lo que cree que es lo más probable. La evidencia que yo tenía me indicaba que las cosas se iban a ir por ese rumbo, pero así como saber, saber, pues no.
¿Qué opina en esta era digital y de manipulación de la imagen, de esa frase que dice “la cámara puede mentir si el fotógrafo es mentiroso”. Y una segunda pregunta, ¿de qué vamos a comer los fotógrafos en el 2025?
La cámara siempre ha mentido, no tiene nada que ver con la era digital. La subjetividad de quien fotografía determina todo porque si yo escojo un ángulo en una dirección o en otra cambian mucho las cosas. Cuántas imágenes no conocemos en que los pies de foto alteran completamente el contenido.
Si pensamos por ejemplo cómo utilizaron la fotografía para probar que Saddam Hussein tenía armas de destrucción masiva, las Naciones Unidas usaron fotografías para querer probar eso. Inclusive tengo un editorial en Zona Cero en donde digo ¡cuidado! No es posible que alguien pueda decir en las Naciones Unidas —el general Colin Powell, secretario de Estado en ese entonces de EU— que la evidencia que tenían ahí, las fotos, eran prueba de que Hussein tenía armas de destrucción masiva.
Yo hice un editorial en ese momento diciendo que eso era imposible, que con las fotografías se podía manipular lo que uno quisiera y eso no era evidencia de nada. Y lo interesante es que un año después Colin Powell pidió una disculpa pública por haber usado fotografías de una manera que era justamente lo que yo estaba diciendo.

© Pedro Meyer "Encuentro Religioso en Times Square", EEUU, Nueva York, de 1993

¿No es una fotografía una representación de la realidad?
Es una representación de la realidad que no necesariamente implica que esa es la representación correcta. No podemos nosotros considerar que la fotografía es un testimonio fehaciente de nada, más que de la intención de la mirada de un fotógrafo. En todo el periodismo escrito, por ejemplo, ninguna publicación seria publica las notas de alguien, de algo importante, sin haberlo referenciado al testimonio de otra gente. La fotografía es el único medio en que el testimonio es la fotografía misma.

¿Qué opina de los fotógrafos que se aferran a métodos tradicionales para hacer su trabajo? Yo tengo un respeto muy grande por la diversidad y los gustos y las preferencias de las gentes. Sí tengo problemas en relación a las escuelas porque me parece incorrecto que una escuela imparta cursos de algo que para cuando salen egresados los alumnos ni siquiera hay mercado para ello. Y eso lo hacen mayormente las escuelas porque como no tienen el dinero para equiparse con nuevas tecnologías, siguen impartiendo las viejas de una manera irresponsable porque cuando los alumnos salen egresados no saben ni siquiera qué hacer con lo que aprendieron porque no hay mercado para eso.

Entonces ¿qué deben enseñar en las escuelas de fotografía?

Tecnología digital


Usted ha recomendado también enseñar literatura, ¿por qué?
Nosotros los fotógrafos somos contadores de historias. En la medida en que alguien tenga una cultura diversa y haya leído de literatura y de poesía, también adquiere un cierto conocimiento con respecto a cómo contar historias. Entonces, lo único es que está usando un aparato fotográfico en vez de un lápiz o una pluma o una computadora para escribir.


¿Qué piensa de Photoshop? ¿No se ha perdido la profesionalización de la fotografía al migrar de un formato flex a un formato más digital, más moderno?
¿Se pierde algo al pasar al mundo digital?
No, yo creo que se enriquece. Las opciones fotográficas se multiplican exponencialmente con las herramientas digitales.

¿Cuál sería el decálogo de Pedro Meyer? ¿Qué tipo de cámaras utiliza? ¿Sus tomas son muy preparadas o imprevistas?
Es una pregunta interesante. Comenzaré diciendo lo siguiente: una de las primeras cuestiones que tuve que considerar era la cámara fotográfica, y uno de los planteamientos que todos los fotógrafos se hacen es que las cámaras se vuelven obsoletas tan rápidamente. Si esto es así ya no es como era en el pasado en que compraba una cámara y me duraba prácticamente toda una vida.
Ahora las cámaras duran un par de años a lo más y ya están superadas, si no es que antes, con nuevas herramientas. Uno de los planteamientos que los fotógrafos no han hecho suficientemente es con respecto a los costos, en relación a los costos del pasado, en el sentido de que si una cámara me costaba tantos miles de dólares y me duraba toda la vida, ¿cómo va a ser posible que me va a durar sólo dos o tres años?
El problema es que se olvidan que la película ya no costó y entonces lo que yo me ahorro de película en trabajar durante unos cuantos meses, cuatro o cinco meses, ya pagó por la cámara. El hecho de que yo la pueda vender a alguien que está empezando me recupera una parte, pequeña si se quiere, pero algo recupero, y ya recuperé el costo de la cámara porque no me costó la película y estoy listo para adquirir el nuevo modelo con la nueva tecnología.
Y como está creciendo cada vez más la capacidad de las cámaras y cada vez son más sensibles y más eficientes, hay que estar pendiente todo el tiempo del proceso mismo de la cámara. Es una reflexión que vale la pena considerar en todo este proceso.
Yo siempre estoy cambiando mis cámaras porque quiero ver qué puedo hacer con una nueva cámara. Generalmente nada más es el cuerpo el que cambia porque los lentes siguen siendo aprovechables igual de un modelo al otro.
Ahorita estoy usando varias cámaras: una Nikon D300, una Leica M8. Luego estoy usando también una pequeña Panasonic Lumix 2, que tiene un formato de 16x9 que es fantástico y tiene una calidad excepcional y que tiene archivos de 12 megas. Y además es económica y chiquita, es un placer trabajar con ella.

© Pedro Meyer / Japón, Tokio, Septiembre de 2006


Espejito, espejito, vuelve a ser hereje: ¿hacia dónde vamos y qué desaparecerá más temprano que tarde? Viendo hacia el futuro, una de las cosas que me pregunto todo el tiempo es entender que va a proliferar el concepto de la distribución gratuita de la fotografía. De hecho, una de las preguntas anteriores era cómo íbamos a comer los fotógrafos en el 2025.
Si vemos el ejemplo de una manera exagerada, toda la fotografía que circula en Internet va a ser libre y eso es difícil de detener y de cambiar. Y no nada más para la fotografía, la economía para la música, para el cine, el video, la literatura, en fin, todo lo que son valores intelectuales que en el pasado se anclaban en la posesión de ese objeto de una manera van a tener que transformarse de otra manera.

¿Cómo vislumbra la fotografía dentro de 10 o 15 años? Pienso que va a haber un énfasis más grande para sobrevivir en la venta de objetos que son físicos al mismo tiempo que existe la proliferación de los objetos digitales. Un ejemplo muy bueno es recientemente lo que pasó con el grupo de rock Radiohead, en Inglaterra, que puso su álbum en línea y le dijo a todo el mundo que lo bajara y que pagara lo que quisiera.
Mucha gente los bajó y cuando salió el disco físico lo compraron también y se convirtió en el número uno de ventas. Yo creo que la distribución gratuita o semigratuita hizo que mucha gente se enterara de algo que les gustó. Entonces lo que tienes que tener es algo que a la gente le agrade, le interese, le sirva, le sea útil. Si uno tiene algo que ofrecer la gente va a estar dispuesta a pagar por eso.
Yo creo que hay muchísimas posibilidades reales para que un fotógrafo sobreviva bien porque además no hay que olvidar que somos contadores de historias y las historias siempre se van a seguir contando a lo largo de toda la existencia humana.

Hablando de contar historias, a usted ¿qué lo inspira?
A mí me inspira la vida cotidiana, todo lo que me rodea.

¿Cómo le gustaría a Pedro Meyer ser recordado?
La gente que más quiero, creo que lo que más me gustaría es que recuerden que los quería, que eran importantes en mi vida y que los traté con amor y con cariño, punto.
Ya todo lo demás es totalmente casual y sujeto a los vaivenes de la realidad sobre la cual ¡qué sabemos que va a pasar! Pero los sentimientos para la gente más cercana son los más importantes.


© Pedro Meyer, 2004

Más fotos aquí

http://www.pedromeyer.com

http://www.fundacionpedromeyer.com/

Portafolio / Christian Salazar Ramos

Fotos de Christian Salazar en Terra

miércoles, 27 de febrero de 2008

La Verdadera Historia de los Superheroes


Apartir del 11 de Septiembre la noción del héroe resurgió en gran parte impulsada por la necesidad de reconocer la labor de gente que sacrificaron sus vidas o que de manera extraordinaria tuvieron el valor de enfrentar situaciones de peligro. Sin embargo, es importante fijar estos valores no solamente en la gente que surge como héroe apartir de una desgracia o una emergencia nacional o mundial sino a la gente que día a día sacrifica parte de su vida para mejorar su realidad y afectar positivamente la de los otros.

Este proyecto es una serie de retratos ambientales de las personas que desde los Estados Unidos, en particular en la ciudad de Nueva York, ayudan económicamente a sus comunidades en México y significan una importante fuerza económica en el desarrollo de ambos paises. Cada superhéroe será retratado en su ambiente laboral y la fotografía incluye un pequeño texto con su nombre, el de su comunidad en México, cuanto tiempo tiene trabajando en Nueva York y la cantidad de dinero que manda a México semanalmente.

El principal objetivo de esta serie es homenajear al hombre ordinario que sin ningún poder super natural logra que su comunidad sobreviva y progrese.


La Ciudad de los Fotógrafos / de Sebastián Moreno

©Alvaro Hoppe

©Claudio Pérez


©Claudio Pérez


© Percy Lam


>>>>>>>>www.laciudaddelosfotografos.cl<<<<<<<<<

La película completa la pueden ver aquí.

lunes, 25 de febrero de 2008

Grupo Guinda, purita calidad !!!!

Carlos Morales y su Grupo Guinda
Jueves 07.02.08 en el Palacio de Toño Centella.


Saludos del Grupo Guinda a LimaFotoLibre.... apirrrrrrrrr.........
Fotos: Fokus - BG Lima

Convocatoria / II Salón de Fotografía ICPNA 2008

II Salón de Fotografía ICPNA 2008

BASES
1. Podrán participar peruanos y extranjeros residentes en el país.
2.El tema será libre.

3. Cada participante deberá presentar un mínimo de 4 y un máximo de 8 fotografías, las mismas que podrán ser a color o en blanco y negro. También se recibirán fotos digitales impresas.

4. Las dimensiones de las fotos, sin considerar ni marco ni paspartú, tendrán un mínimo de 20 cm. y un máximo de 100 cm. por lado.

5. Deberán presentarse dos copias de cada foto, una enmarcada y otra sin enmarcar.

6. Los trabajos no deben haberse presentado en ninguna muestra ni concurso anterior.

7. Los Premios Adquisición, y sus respectivas copias, quedarán en posesión del ICPNA.

8. En el reverso de las obras enmarcadas deberá figurar el nombre completo del artista, título, técnica, dirección, teléfono y valor de la obra. Si se tratara de una serie se indicará el número de orden de cada foto.

9. Los trabajos se recibirán del miércoles 10 al viernes 12 de setiembre de 9 am. a 6 pm. en la Galería ICPNA Miraflores (Av. Angamos Oeste 120). Las fotografías que no lleguen en perfectas condiciones al ICPNA no podrán ser inscritas en el concurso.

10. El jurado será designado por el ICPNA.

11. La decisión del jurado se publicará en la página web del ICPNA a partir del martes 16 de setiembre.

12. La ceremonia de entrega de premios e inauguración del II Salón Nacional de Fotografía ICPNA 2008 se realizará el miércoles 1 de octubre de 2006 a las 7 pm. en la Galería ICPNA Miraflores y la muestra permanecerá abierta hasta el miércoles 22 de noviembre.

13.El ICPNA no asumirá responsabilidad alguna sobre cualquier transacción de venta que realice el artista durante la exhibición de las obras seleccionadas. Las obras vendidas se entregarán al cierre de la muestra.

14. Las obras no seleccionadas deberán ser retiradas hasta el viernes 19 de setiembre y las obras de la exhibición el jueves 23 de octubre en la Galería ICPNA Miraflores. El ICPNA no se responsabilizará por los trabajos que no fueran retirados en las fechas indicadas pudiendo disponer de los mismos en la forma que considere conveniente y sin lugar a reclamo.

15. El ICPNA es el único autorizado para decidir cualquier otro aspecto no contemplado en estas bases.
16. Al momento de presentar sus obras el artista declara conocer plenamente estas bases y aceptarlas en su totalidad.


I Salón / Primer Premio Adquisición: Ana de Orbegoso

domingo, 24 de febrero de 2008

El Perú en la obra de Thomas Struth / Texto de Jorge Villacorta

Pasaje Gaspar, Lima, Peru 2003 © Thomas Struth / Galerie Max Hetzler

Los miles de visitantes a la Bienal de Sao Paulo en 2004, se vieron sorprendidos al descubrir al Perú presente en la obra del artista alemán que exponía allí como invitado especial del curador general del evento Alfons Hug.
Thomas Struth es considerado, a los cincuenta años, como uno de los más grandes creadores de artes visual actualmente en el mundo. Al venir al país en 2003, por invitación del Goethe- Institut Lima, se había concentrado en fotografiar el desierto iqueño, antes de quedar fascinado por los particulares patrones de edificación que marcan arquitectura y urbanismo en la ciudad de Lima, que también captaría fotográficamente. Su suite peruana de imágenes a color en grande y pequeño formato fue sin duda uno de los mayores atractivos de esta versión de la famosa bienal internacional de arte, a la cual acudieron más de novecientos mil personas, entre brasileños y extranjeros, lo que la ha convertido en la exposición de arte contemporáneo con mayor número de visitantes de los últimos cincuenta años.
Plaza Elguera, Lima, Perú 2003 © Thomas Struth / Galerie Max Hetzler

La obra de Struth es en la actualidad uno de los cuerpos de trabajo más admirados de la escena internacional de las artes visuales. Sus retratos de familia, vistas de calle y edificios, interiores de museo y paisajes se cuentan entre las imágenes memorables de fines del siglo XX. El observador se aproxima atraído por la fuerza que irradia cada imagen, basada en la precisión y agudeza de la mirada. Con ellas, el artista es capaz de elaborar sus creaciones a partir de los géneros clásicos de arte occidental, y dotarlas de nueva potencia y significación. Su reputación ha quedado cimentada por la belleza patentemente nueva de sus construcciones visuales, en las que resalta un ordenamiento y un equilibrio arrancados de la contingencia de diversos escenarios y situaciones en los distintos espacios del mundo de hoy.

El medio de creación elegido por el artista es la fotografía, un medio asociado históricamente al surgimiento y consolidación de la modernidad en el contexto cultural de occidente. La fotografía fue, en buena medida, el invento que revolucionó el mundo de las imágenes en el siglo XIX, al dejar a la mano humana verdaderamente desenganchada del proceso de obtenerlas. También, fue, por cierto, agente de un cambio en la atención prestada a los contextos de la cotidianeidad, los cuales, puede decirse sin exageración, fueron vistos por vez primera. La objetividad que la imagen fotográfica aseguraba la convirtió en piedra angular de una nueva confianza depositada en los instrumentos de una era del progreso, y generó, además, una diversidad de estructuras nuevas de conocimiento en el acercamiento a la realidad. Con estas nuevas posturas estéticas y, a través de ellas, posiciones y planteamientos filosóficos que marcarían el pensamiento occidental.

Pasaje de 27 Setiembre, Lima, Peru 2003 © Thomas Struth / Galerie Max Hetzler

Lugares Inconscientes

Thomas Struth, entonces, es perfectamente consciente de que la creación de belleza mediante el uso de la fotografía tiene, en el presente, un carácter complejo.
Su formación en la Academia de Dusseldorf fue en pintura así como en fotografía, y el enfrentamiento y diálogo entre ambas a lo largo de la historia subyacen en muchos aspectos la claridad y contundencia de su obra. La subjetividad de su respuesta al mundo, evidenciada por su elección de “Lugares inconscientes” – nombre dado por él a una serie de creación abierta iniciada a fines de los años 80- contextos adormecidos en espera de ser revelados, se carga entonces de una reflexión acerca del proyecto de la modernidad. Y su método de trabajo se apoya en un reconocimiento del potencial de una situación, que conlleva indagación y análisis visuales inmediatos para poner de relieve lo sorpresivo e inesperados de la experiencia de reconocer sin antes haber conocido específicamente.

Jiron Cailloma, Lima, Perú 2003 © Thomas Struth / Galerie Max Hetzler

En el caso de las imágenes logradas en el Perú, lo revelado tiene que ver con el hecho de que en muchas circunstancias la tradición y, por ende, la historia se actualiza en las formas o patrones de vida y comportamiento de hoy. Y podría decirse que hasta se hacen palpables con características visibles en espacios que aparecen o empiezan a aparecer por su efecto. Es decir que se especializan. Lo paradójico es que al especializarse agregan una carga de contingencia, imprecisión y casualidad, que luego Struth resuelve en una estructura visual propia de él, con un reordenamiento que, sin embargo, es abarcador y comprensivo y les hace un lugar, les otorga un espacio propio. Porque los reconoce.

Paradise 26 (Bougainville), Palpa, Perú 2003 © Thomas Struth / Galerie Max Hetzler

Esto mismo, precisamente, puede decirse del surgimiento de la belleza, ahí donde inicialmente no se le reconoce un espacio propio.” Paraíso”, la imagen en la que Struth se permite acercarse al conglomerado de profusas flores, hojas y tallos en la enredadera que conocemos como buganvilia, configura un espacio de diferencias en el que van apareciendo incesantemente tonos de color, del rojo al rosa, en gama arremolinada, La imagen es como un manantial, del cual el observador se alimenta óptica y estéticamente en el tiempo. Por el encuadre–clave para la creación del espacio- se define un dentro-de-la imagen, y en él, el patrón de tonos va haciéndose notar en una sujeción de estallidos en el tiempo, que prolonga indefinidamente la lectura de la imagen.

Struth en Lima

La imagen del interior del templo barroco San Francisco el Grande, del siglo XVII, que se halla en el Centro de Lima, no ha sido construida por Struth como una aproximación a la profundidad espacial que surge con cierto tipo de arquitectura religiosa – si bien ésta queda señalada-, sino que descubre a los que ocupan las bancas, dispersos en otro espacio que es el propio de asistente a los servicios religiosos.

Iglesia de San Francisco, Lima, Perú 2003 © Thomas Struth / Galerie Max Hetzler

Los revela en relación a algunos aspectos de la complicada trama de decoración blanca remarcada por fondo rojo oscuro del interior arquitectónico. La exposición es larga y el espacio de la iglesia es, una vez más, una visión que se prolonga en el tiempo.

Tal vez una de las más logradas de las imágenes de la serie sea la del Cerro del Morro Solar, que se halla a un extremo de la Bahía de Lima, Struth ve el Morro, por la espalda, desértica y áspera. En esta visión lo que domina es la existencia de una sentamiento humano pero no es la perspectiva que revela la profundidad espacial la que gana en presencia sino la aparición de líneas ordenadoras de las casas en hileras horizontales que se van marcando gradualmente e imprimen un carácter inédito a esta forma de ocupación precaria y emergente del terreno. Las líneas sugieren la sucesión de andenes o terraplenes para el cultivo en las faldas de las montañas en los Andes y de pronto la horizontalidad cobra un significado definitorio para esa imagen del Perú actual, como podría serlos para el país antiguo.

Cerro Morro Solar, Lima, Perú 2003 © Thomas Struth / Galerie Max Hetzler

En estos “Lugares inconscientes” y otros de las imágenes mas recientes de Struth, lo que constituye el hallazgo para el artista- aquello que lo mueve a construir un espacio en el que la visión de lo real es la finalidad-, se convierte para el observador en el contenido nuevo e inesperado que está en la integridad de una imagen. Lo que Struth encuadra y propone a otros para ver, es comunicado con una generosa amplitud de entendimiento para con el entorno, que se traduce en rigor y exigencia para consigo mismo en su práctica fotográfica, Así, la serenidad y estabilidad que su sentido compositivo extrae de sus peripecias en el mundo hacen de cada lugar un espacio diferenciado y vivo. Texto de Jorge Villacorta ( Marzo 2005 )

Mas fotos de Thomas Struth en Perú, aquí.

viernes, 22 de febrero de 2008

Cao Guimarães / Gambiarras en Arco 2008


Cao Guimarães (Belo Horizonte- Brasil, 1965) presento recientemente en ARCO 2008 su serie fotográfica titulada Gambiarras: " Gambiarras son esas cosas hechas para resolver un problema de manera no convencional, son soluciones temporales que acaban siendo definitivas, son soluciones hechas sin el material apropiado, sin las herramientas correctas, las Gambiarras son reveladoras de la precariedad y de la creatividad"









www.caoguimaraes.com

jueves, 21 de febrero de 2008

Jonathan Moller / Nuesta cultura es nuestra resistencia


Lima, feb. 21 (ANDINA).- A comienzos de los noventa, Jonathan Moller era un joven estadounidense egresado en Bellas Artes con deseos de conocer algo más que su natal Boston. Con un “poquito” de sentimiento de culpa por la manera en que actuaba el gobierno de su país, se interesó en Centroamérica. Su objetivo inicial eran Nicaragua y El Salvador, pero terminó afincándose en Guatemala.

Moller recuerda que abandonó la posibilidad de estudiar una maestría en fotografía para trabajar en una organización no gubernamental de ayuda a los desplazados. Fueron alrededor de ocho años los que dedicó a recorrer el país centroamericano laborando en ayuda humanitaria. En ese tiempo aprovechó para cumplir con su primera vocación.

Moller documentó en su estadía en Guatemala la vida de la gente de pueblo, en su mayoría indígenas maya, quienes eran los que más sufrían con el largo conflicto interno de su país. Comenta que le sorprendió encontrar lo solidarios que podían ser los guatemaltecos a pesar de las penurias. “Si tienen sólo dos plátanos, te invitan uno”, añade.
Su trabajo le sirvió para que, luego de concluido el período de violencia en el país centroamericano, fuera convocado como fotógrafo de las exhumaciones que realizó la comisión de la verdad guatemalteca.

Posteriormente, publicó el libro Nuestra cultura es nuestra resistencia, de donde se han tomado las fotografías de la actual exposición en la Casona de San Marcos.

Nuestra cultura es nuestra resistencia, Jonathan Moller
inauguración: hoy 21 de febrero 7pm
Centro cultural de San Marcos (Nicolás de Piérola 1222, Lima)
Visitas:
deL a S de 10am a 1pm y de 2pm a 5pm / Ingreso Libre

ArTiFIciOfotOgRaFiCo


martes, 19 de febrero de 2008

Richard Avedon / 1946 - 2004

El pasado miércoles 13 de Febrero, Forma, el Centro Internacional de Fotografía de Milán, ha inaugurado la exposición "Richard Avedon. Photographs 1946-2004". Gracias a Versace, esta exposición fotográfica celebra sus éxitos y su larga y acertada colaboración entre el gran fotógrafo y la Maison. Avedon (1923-2004) está considerado uno de los más grandes fotógrafos americanos: La historia de la fotografía no podría estar completa sin su trabajo. Él fue el primero en romper la barrera entre el estudio y el reportaje.
Durante más de 50 años Avedon ha sido uno de los nombres más importantes de la moda; su trabajo ha sido objeto de la primera muestra retrospectiva de autor que ha acogido el Smithsonian Institute de Washington. Con esta primera muestra se evidencia, incluso para los críticos más cautos, que el increíble volumen de trabajo de Avedon y su visión única han de formar parte de la historia del arte.

Inspirado por Martin Munkacsi, Avedon impartió un nuevo sentido de la vitalidad a sus modelos, que en sus fotografías se convertían en meras perchas, pero sin dejar de tener personalidades reales. Estos logros transformaron la monótona fotografía de moda de esa época en algo vibrante y verdadero.

Las contribuciones de Avedon al retrato fueron tan importantes como su trabajo en la fotografía de moda, y su estilo complejo creó una profunda marca con intensidad y profundidad emocional. Sus retratos de hombres de Estado, artistas, actores y actrices se separaron de la rigidez formulada y asociada con el género, liberando a sus sujetos de las restricciones icónicas de una postal de celebritie.



Cada uno de los retratos de Avedon – de estrellas de cine como Catherine Hepburn, Humphrey Bogart, Brigitte Bardot, Audrey Hepburn, Marilyn Monroe, Buster Keaton y Charlie Chaplin, o de personalidades como Karen Blixen, Truman Capote, Henry Kissinger, Dwight D. Eisenhower, Edward Kennedy, los Beatles, Andy Warhol y Francis Bacon – se fijaron en la memoria colectiva.


"Richard Avedon. Photographs 1946-2004" incluye más de 250 imágenes inolvidables, trazando la historia de este gran fotógrafo desde su juventud hasta sus últimos años. La exposición abre con las primeras fotografías importantes de Avedon, que fueron tomadas en 1946, cuando viajó a Roma y Sicilia un poco después de la Segunda Guerra Mundial, y continúa con imágenes que definen una era muy diferente – como las que fueron tomadas en 1989 en la Puerta de Brandenburgo, justo dos meses después de la caída del muro de Berlín. La última foto que Avedon tomó – cuatro meses antes de su repentina muerte durante un trabajo para The New Yorker – fue un retrato de la cantante Björk.

Las fotografías de Avedon jugaron y aun juegan un papel principal en la historia de la fotografía, por su profundidad e intensidad, para ser iconos de nuestro tiempo.

"Richard Avedon. Photographs 1946–2004" se expone exclusivamente en Forma, el Centro Internacional de Fotografía de Milán, Italia. Un libro con el mismo nombre lo publicó Contrasto.

Comisariada por Helle Crenzien, esta exposición fue concebida y organizada por el Louisiana Museum of Modern Art en colaboración con The Avedon Foundation. Después de la exhibición en Italia en FORMA, la exposición se trasladará a París, a la Galerie Nationale du Jeu de Paume, a Berlín al Martin-Gropius-Bau, a Ámsterdam, al FOAM_Fotografiemuseum y al SFMOMA de San Francisco ( tomado de aquí)

FORMA
Centro Fotográfico Internacional
http://www.formafoto.it/